JANNIS KOUNELLIS

Rekonstruktion und Text: Susanne Rennert 

„Die letzte Ausstellung feiert noch einmal ein Fest für die Erweiterung des europäischen Kunstbegriffs. Seit 1960 macht Jannis Kounellis Kulturbilder für alle Sinne. Daher hat er die wohnliche und historische Hausatmosphäre voll in seine Arbeit mit einbezogen.“ ¹(Marlis Grüterich, 1978)

Jannis Kounellis war der letzte Künstler, der im alten städtischen Museum an der Bismarckstraße ausstellte. Mit dieser Ausstellung, die am 11. Juni 1978 zu Ende ging, wurde das neogotische Patrizierhaus, das seit 1945 als Museumsprovisorium gedient hatte, für den Publikumsverkehr geschlossen.² Man wollte den Umzug in das im Bau befindliche Museum Abteiberg vorbereiten, dessen Eröffnung ursprünglich für Spätherbst 1979 geplant war.

Cladders beendete die Serie von mehr als 80 Ausstellungen und Veranstaltungen, die er, 1967 beginnend mit BEUYS, an der Bismarckstraße initiiert hatte, mit einer programmatischen Manifestation. Wie in zahlreichen vorangegangen Fällen –ANDRE, BUREN, BROUWN, DARBOVEN, LONG et al. – handelte es sich auch bei KOUNELLIS um die erste Einzelausstellung des Künstlers in einem Museum. Dies ist insofern erstaunlich, als der damals 42-jährige, in Rom lebende gebürtige Grieche nicht nur zweifacher documenta-Teilnehmer war (documenta 5, 1972; documenta 6, 1977), sondern auch früh schon an bahnbrechenden Ausstellungsprojekten teilgenommen hatte. Wie beispielsweise 1969 an Wim Beerens Op Losse Schroeven (Amsterdam/​Essen), an Harald Szeemanns Live in Your Head! When Attitudes Become Form (Bern/​Krefeld) und an Konrad Fischers und Hans Strelows Prospect 69 in der Düsseldorfer Kunsthalle. 

„Ausgestopfter Rabe – lodernde Fackeln. Kunst-Einsicht mit Kounellis“³

„Für Kounellis waren Ausstellungen immer ein Stimulus, ein Anlass und Anreiz zu kreativem Handeln. Ohne Scheu vor Dimensionen und Attributen gestaltete er sie als phantasievoll verschlüsselte Szenerien mit engem Bezug zum jeweiligen Ort und seiner Geschichte. Immer erzeugte er spezifische, reale Situationen, die sich mit der Realität des Aktionsorts verbanden. Das Ganze war dann jeweils das Werk, auch wenn es aus vielen Teilen und Einzelwerken bestand. Die Elemente, die Kounellis dabei verwendete, waren in ihrem Einsatz variabel. Sie besassen ausgeprägte physische Eigenschaften, deren materielle Qualitäten wie Klang und Geruch, Gewicht und Struktur er mit unterschiedlichen Akzentuierungen zu prägenden Bestandteilen seiner ​‚Bilder‘ machte. Kounellis verfügte über einen Fundus von Objekten und Motiven, die er wie Versatzstücke benutzte und veränderte, kontinuierlich bereicherte und je nach Kontext mit neuer Bedeutung auflud.“⁴

Was Urs und Christel Raussmüller – die aus der Mönchengladbacher Ausstellung die Installation mit dem fragmentierten Apollo für die Zürcher Cosmorex Art AG erwarben –, hier generell in Bezug auf Kounellis‘ offene ortsspezifische Arbeitsweise beschreiben, gilt auch für die Mönchengladbacher Schau. Es war weniger eine Ausstellung, die der Künstler hier präsentierte. Eher eine performative Manifestation. Teils vorab festgelegt,⁵ teils in situ entwickelt, brachte Kounellis im Museum Mönchengladbach insgesamt sieben Installationen und Werke ​„zur Aufführung“. Mit überwiegend einfachen alltäglichen Materialien (Stichwort ​„Arte Povera“) setzte er Räume in Szene, in denen sich Vergangenheit und Gegenwart, Vergängliches und Gegenwärtiges, anspielungsreich miteinander verschränkten. Seine theatrale Inszenierung generierte starke poetische Bilder, die sich ins Gedächtnis einbrannten. 

„Auf goldenen Sohlen“⁶– Rundgang durch die Ausstellung 

„Nur drei Räume hat der Künstler verändert und zweimal schob er seine Objekte in eine Ecke, was den Eindruck des Ausgeräumtseins verstärkt.“⁷

Kounellis bespielte die drei Ausstellungsräume im EG/​Hochparterre. Das erste Obergeschoss blieb leer. Es ist gut denkbar, dass der Künstler hier – vor dem Hintergrund der ikonografisch und symbolisch stark aufgeladenen ​„Ereignisse“ im Erdgeschoss – bewusst Freiraum ließ. Für zukünftiges Denken und neue Realisationen, die sich woanders manifestieren würden als an diesem historischen Ort, der seit 1967 Kunstgeschichte geschrieben hatte. 

„Gleich im Eingang irritiert eine mit Bruchsteinen zugemauerte Tür.“⁸ Das erste Werk, das die Betrachter:innen im Haus erblickten, war eine ​„on site“ produzierte Arbeit. (Eines der beiden ortspezifischen Werke in dieser Ausstellung, das zweite in Raum IV.) Kounellis und der Mönchengladbacher Steinmetz Cancian hatten die Tür, die vom Treppenhaus in Raum III führte, durch aufeinander geschichtete Steine gänzlich verschlossen.⁹ Gleich einer Bruchsteinmauer bewahrte die zugemauerte Tür – ein fester Topos in Kounellis‘ Werk – die Spolien der Geschichte. In diesem Fall der Mönchengladbacher Geschichte.

Die nächste Tür stand offen. Sie führte in den Gartensaal. Dazu Amine Haase in der Rheinischen Post: ​„In dem großen Raum, der von der Straßenseite bis zum Garten reicht, befindet sich knapp vor der Stufe zum (leeren) Wintergarten ein Podest mit dem halbierten Kopf einer antiken Skulptur; aus dem Ohr sticht eine blaue Glasflamme. Daneben hängt ein mit Goldlorbeer bekränzter Filzhut, vor dem Schuhe mit goldenden Sohlen liegen. Eine optische Metapher von seltsamer Poesie, deren nachtwandlerische Bildsicherheit verblüfft.“¹⁰ Marlis Grüterich kommentiert in der Kunstzeitschrift Panteon: ​„Hier wird ein Symbol antiker Kunst der Gegenwart angenähert. In einem langen, sonst leeren Saal hängt an der Wand ein Dichterhut mit goldenem Lorbeer; vergoldete Sohlen abgetragener Schuhe geben dem Alltag poetischen Glanz; das Gipsgesicht einer römischen Statue wird von einer Flamme in der Schläfe bedroht und belebt. – Die Heroine nimmt die Züge einer Frau an.“¹¹

Vom Gartensaal gelangte man in Raum III, der wegen der zugemauerten Tür vom Treppenhaus her nicht zugänglich war. Dort zeigte Kounellis die Installation mit dem fragmentierten Apollo (dem Beschützer der Künste und der Musik), einem ausgestopftem Raben (dem Symbol für Weisheit), zwei Stühlen und einem Tisch. Werner Krüger schreibt in Neues Rheinland: ​„Das mit ​‚Apollo‘ betitelte Ensemble versammelt triviale Bestandteile abendländischer Ikonographie: Auf einem Tisch verstreut liegen die Teile eines griechischen Apollo-Gipsabdrucks, gelb bemalt, am Kopfende bewacht von einer ausgestopften Kaiserkrähe, am Fußende, gegen einen Stuhl gelehnt, ein Cello, das zur Benutzung einlädt.“¹² Marlis Grüterich in der Kunstzeitschrift Panteon: ​„In dem von hier aus erreichbaren kleinen Zimmer an der Straßenseite wird die Antike zeitgenössisch. Dem zerstörten europäischen Urbild der Künste, dem Gott Apollo, gibt strahlendes aufgetupftes Gelb Lebenswärme. Apollos Kunst macht das daneben auf einem Stuhl abgelegte Cello ​‚optisch hörbar‘. In diesem Zimmer agiert die Kunst in Person. Sie öffnet die Tür zu den Schichten der Geschichte, die anfangs vermauert schien.“¹³

Interessant ist, dass diese Installation ursprünglich Bestandteil einer Aufführung war, in der Kounellis selbst als Performer aufgetreten war. Dazu Bernd Growe: ​„In einer unbetitelten, 1973 entstandenen Arbeit sitzt der Künstler mittig hinter einen breiten, rechteckigen Tisch, auf dem gipserne Bruchstücke des Apoll von Belvedere angeordnet sind. Auf dem Fragment der Brust hockt ein Rabe, der sich dem Künstler zuwendet, während der Künstler selbst seine Physiognomie mit dem maskenähnlich vorgehaltenen Kopfstück des Gottes verdeckt. Ein wenig abseits sitzt ein weiterer Herr auf einem Stuhl und wiederholt auf seiner Flöte fortwährend Auszüge aus Kompositionen Mozarts.“¹⁴

Neben dem Gartensaal lag der dritte Ausstellungsraum (Raum IV), der vom Treppenhaus zu betreten war. Hier wurden zwei Werke kombiniert, die ursprünglich nichts miteinander zu tun hatten, doch dasselbe Entstehungsjahr teilten – 1969. Im Ergebnis wirkte der Raum wie ein zusammengehöriges Environment. Ein Environment, das alle Sinne ansprach und nicht nur zu sehen, sondern – wegen der Kerzen- und Gasflammen – auch zu riechen und hören war. Auf einer der beiden Längswände hing, unweit des Fensters, das sich zum Museumsgarten hin öffnete, eine mit Kreide beschriebene Eisentafel. Sie trug die Aufschrift ​„Libertà o morte. W Marat W Robespierre“. Daran befestigt eine Konsole mit brennender Kerze. Die Eisentafel, Kounellis‘ sogenanntes ​„Revolutionsbild“ von 1969, wurde ringsum gerahmt von einer Reihe verschieden langer Eisenstangen. Sie waren an Haken befestigt. An jeder Stange, ebenfalls an Haken, hingen Gasbrenner, die über einen Gummischlauch mit einer – auf dem Boden stehenden – Gasflasche verbunden waren. Hier ließ Kounellis eine ortsspezifische Arbeit passgenau für den Austellungsraum in Mönchengladbach produzieren, die er erstmals 1969 gezeigt hatte.¹⁵ Das Feuer, in diesem Raum ein zentrales Element, stand im Gegensatz zur sommerlich grünen Natur, die durch das Fenster im Raum präsent war. Marlis Grüterich fasst in Panteon ein Resümee: ​„Ein ähnlich verschlüsseltes Objekt ​‚W Marat, W Robespierre‘: Aus Düsen, die in Augenhöhe in regelmäßigen Abständen an der Wand angebracht sind, schießen Gasflammen. In der Mitte dieses Arrangements befindet sich eine schwarze Tafel, auf der zu lesen steht: ​‚Freiheit oder Tod‘ – W. Marat. W Robespierre‘. Eine Kerze, an der Tafel befestigt, wirft schummriges Licht auf die mit Kreide geschriebenen Zeilen.“¹⁶

Marlis Grüterich: ​„Feuer, das Grundelement der Kultur, symbolisiert ihr ​‚Stirb und Werde‘. Gasflammen erhitzen die Atmosphäre um das Revolutionsbild ​‚Tod oder Leben – es lebe Marat – es lebe Robespierre!‘ Das ältere Kerzenlicht unter der Schrift dagegen soll Anstrengung und Ausdauer spürbar machen, die die Kultur verlangt. Im Museum von Mönchengladbach konnten die Künstler das klarmachen. Hoffentlich geht es nächstes Jahr so weiter.“¹⁷

Finale: Freiheit oder Tod

Ephemere Werke, die ein Gefühl von Zeitlosigkeit transportieren: Zum Abschluss der Ära Cladders in der Bismarckstraße 97 wurden hier noch einmal grundlegende existentielle Fragen aufgeworfen. Wurde reflektiert über das Werden, Vergehen, Überdauern von Kultur und über die gesellschaftliche Relevanz von Kunst. Die Ausstellung spannte einen weiten Bogen durch die abendländische Kulturgeschichte, der von der griechischen und römischen Antike über die Französische Revolution bis ins Mönchengladbacher Hier und Jetzt reichte. Die Fotografien, die Ruth Kaiser in dieser letzten Ausstellung aufnahm, vergegenwärtigen ihre besondere Atmosphäre und die Aura ihrer Werke. 

1978 – 2008 

„Die in diesem Haus geleistete Arbeit strebte an, Einsichten zu vermitteln und unsere Sinne zu schärfen. Im Hinblick auf dieses Bestreben scheint mir die Ausstellung Kounellis ein geeigneter, mit einem leichten symbolischen Schlenker versehener Abschluss. Ich hoffe, dass der Geist, aus dem die Ausstellungen dieses Hauses erwuchsen, mit in das neue Haus wandern kann.“¹⁸(Johannes Cladders, 1978)

In einem bewegenden Text, den Johannes Cladders 2008 über das Werk von Kounellis veröffentlichte, erinnerte er auch an die Ausstellung, die dreißig Jahre zuvor das Ende der Veranstaltungstätigkeit im provisorischen Museum an der Bismarckstraße markiert hatte. Im Jahr vor seinem Tod schreibt Cladders: 

„Etwas Dunkles haftet vielen Arbeiten von Kounellis an. Schwarz dominiert seine Bildsprache. Kohle, in groben Brocken oder in Jutesäcke gepackt, ist ein von ihm immer wieder für seine Objekte gewähltes Material. Vom Feuer hinterlassene Brandspuren werden zum dauerhaften Bestandteil seines Werks. Vergangenes weht den Betrachter an, Geschichtliches wird gegenwärtig. Es zischt in den Gasflammen, die aus den Torsi von Gipsen antiker Skulpturen züngeln oder aus zahllosen, einen ganzen Raum okkupierenden Brennern strömen. Zerbrochene Glasscheiben lassen Heiles imaginieren, Stahlplatten Stärke und Dauer mitdenken. Zugemauertes, Gefesseltes, Gepresstes, Aneinander Geschraubtes ketten Gewesenes zu einer neuen Existenz in unserer Erinnerung zusammen: erloschene Geschichte im Mythos zum Leben erweckt. Kounellis wandert durch die Geschichte Europas. Auf seinem Weg liest er ihre Relikte auf, Zeugnisse von Arbeit, Mühen und Unterjochung, von Leiden und Bitterkeit, von Kampf, Aufstand und Befreiung, von Religion, Kunst und Philosophie, von Natur und Technik und auch von Liebe und Hass. Er baut aus ihnen eine Welt auf, die unsere Augen verstehen und deren poetische, epische Gestalt sie lesen können. Und in der eine Hoffnung auf Freiheit brennt, wie sie auch in der letzten Strophe des Gedichts Die Skythen von Alexandr Blok formuliert ist (Ich finde die englische Version treffender als die deutsche): ​„Now, for the last time, see the light, old world! / To peace and brotherhood and labour – / our bright feast – for the last time you are called / by the strings of a Scythian lyre!“¹⁹

Kassettenkatalog KOUNELLIS

Das Gedicht von Aleksandr Blok lag – in deutscher Übersetzung – Kounellis‘ Kassettenkatalog bei. Mit diesem Kassettenkatalog schloss sich ein Kreis. Er nimmt schon äußerlich unmittelbaren Bezug auf die Schachtel von Beuys, die 1967 am Anfang des Editionsprojekts ​„Kassettenkataloge“ stand. In der Schachtel von Beuys liegt die mit Braunkreuz gestempelte Filzplatte, die für das – Material und Materie durchdringende – Wärmeprinzip steht. Kounellis verwendet elf Jahre später Feuer als Metapher für geschichtliche Prozesse, für Vergänglichkeit, Zerstörung und Transformation. Seine Schachtel enthält ein Objekt mit Schwarzpulver-Kerze unter Papierflies, das auf einer Asbestplatte fixiert ist. Die Schwarzpulver-Kerze lässt sich wie eine Zündschnur anzünden. Ein helles zischendes Leuchten, das eine schwarze Rauchspur auf der grauweißen Platte hinterlässt …